Composition List
《月: Moon Stories from Around the World》(2019)
for shamisen and narration
《Calling the Sunrise》（2019）
Inspired by Zuni and Hanawa Sunrise Songs
shamisen and shakuhachi/三味線・尺八
《Kankakee Mallow》（2017年）
第一楽章：Spring〜 春
第二楽章：Summer〜 夏
第三楽章：Fall〜 秋
shamisen, koto, shakuhachi and voice/三味線・箏・尺八・歌
《When the Waves Crash〜波濤の飛沫：三味線協奏曲》(2016年)
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| Shimonoseki Straight |
第一楽章： Gion Temple Sings 〜 祇園精舎の鐘の聲 (5:24)
第二楽章： Spring’s
Night Dream 〜
唯春の夜の夢の如し (3:34)
第三楽章： Dust
Upon the Wind 〜
偏に風の前の塵に同じ
(11:19)
(11:19)
Shamisen Solo／三味線：野澤徹也
Shinobue/Noh-kan／篠笛・能管、
Shakuhachi／尺八、Biwa／琵琶、Koto／箏、17 stringed Koto ／17絃、Percussion／打楽器
Liner Notes:
This modern retelling of the battle of Dan no Ura is to capsulate the vast history, both beautiful and tragic, found within the deep blue grey waves at the Shimonoseki Straight. In this concerto, the shamisen soloist is not the music’s narrator as would be typically associated with retellings of war epics. Instead, the shamisen’s unique ability to express a multitude of human emotions and historical closeness with everyday human life is used here as the voice of the Taira clan, who's soles were lost within the waves, as they recall their rise to power as well as their inevitable tragic end.
This concerto is spilt up into three movements based off the opening of The Tale of Heikei: “Gion Temple Sings”, “Spring’s Night Dream” and “Dust Upon the Wind”. The first theme, played by the shamisen, is the repeating theme of impermanence; the painful reality that no matter how powerful one wave may grow, it is destined to fade into nothingness again. Each movement slowly grows and builds in both instrumentation and intricate rhythms, like the waves upon the ocean, until the break out of this last epic battle between the Taira and Minamoto clan, ending with what we already knew; the impermanence of all things.
解説：
こ の三味線協奏曲は、平家物語の壇ノ浦の戦いをモチーフにした作品であり、関門海峡に漂う紺碧の波に、人間の美、そして悲劇など様々な感情を重ね合わせて曲 として表現しました。ソロをとる三味線は、平家琵琶のように語り楽器にとしては使用されません。本作品では、平家物語と言えば琵琶という既成の概念にとら われず、歴史的に庶民の生活に近い場所で、人間の様々な感情を音で表現するよう発展を遂げた三味線の弾き方の特殊性を活かし、平家の隆盛と滅亡に纏わる悲 喜こもごもの代弁者として、三味線をメインの楽器に据えました。
この協奏曲は三楽章からなり、それぞれの楽章に平家物語の冒頭の一節から引用した 「祇園精舎の鐘の聲」、「唯春の夜の夢の如し」、そして「偏に風の前の塵に同じ」という副題を与えました。 作品中、序盤で三味線の弾くテーマは、諸行無常のテーマであり、その後幾度となく繰り返し弾かれることになります。たとえ大きな波であっても、いずれは泡 沫の如く消えてなくなるという、動かし難い事実をこのテーマに投影しました。波がその様相を絶えず変化させるように、各楽章は時間の経過と共に徐々に楽器 編成が増え、リズムは複雑化し、この傾向は終盤へ向かうほど顕著となります。やがて、平家と源氏が最後の大戦を迎える中で曲はクライマックスに達し、誰も が知っている結末、つまりは諸行無常の摂理が場を覆います。
《蒙古の馬〜Mongolian Takhi》（2016年）
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| Kazakhstan |
Shamisen and 17 stringed koto／三味線と17絃
Liner Notes:
In 2015 I traveled to Kazakhstan and immersed myself in all things Central Asia while observing the beauty of a musical culture influenced by the Silk Road. The soundscape for this composition is influenced by the rhythmical and playful nature of the Kazakh lute dombra, as well as the harmonic freedom and bending of overtone pitches in Mongolian singing khoomei. These musical sounds hark back to Kazakh’s endless vast sky with its numerous colorful washes at dusk and the freely roaming wild horses, which remain an integral part of daily life and music.
解説：
2015年にカザフスタンを訪問した際、中央アジアの文化に触れ、古代シルクロードの影響を受けた音楽的な文化の美に開眼した。この作品は三味線と17弦 で構成されるが、その音の彩りは、リズミカルで明るさのある「ドンブラ」というカザフスタンの伝統的なリュート楽器と、広がりのある倍音を特徴とするモン ゴルのホーミー（喉歌）から影響を受けている。カザフスタンの、広く、果てしない夕空の豊かな色彩、そして彼の地の生活や音楽に深く根ざしている野生の馬 をインスピレーションの源に、音楽的表現を試みた意欲作である。
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| Dombra (Kazakhstan, Astana) |
《The Dance of Threads〜糸の舞》（2014年）
(9:38)
Shamisen, koto and voice／三味線と箏と歌
Shamisen, koto and voice／三味線と箏と歌
作詩：Diana Schmuckal ダイアナ・シュムコー
our tale need not myth to be understood
or threads to bind our sisterhood
私の感じる
糸と切り跡の重み
それは自由を切り抜いた証
上の二人に追いつくために
私の眺める地平
それは既知と未知が誘う暗示
私は両側の糸を繋ぎ
二つの境を織り込むだろう
私の紡ぐ言葉の糸
恐らくそれは幾世に渡り生まれ変わる
故に私は紡ぎ続ける
言葉を価値あるものとするために
この話に神話は要らない
我々姉妹を繋ぐための糸さえも
I feel the weight of threads
and the edges that I've cut
create the freedom to fill myself in
and be worthy of the eldest of two
I look to horizons for inspirations
tempted by knowledge and unknowingness
I'll connect these threads in the middle
and weave us together over boarders
Maybe I'll spin a thread of words
making new my life in countless rebirth
until I'm worthy to pass this lineage onand make the words of use
and the edges that I've cut
create the freedom to fill myself in
and be worthy of the eldest of two
I look to horizons for inspirations
tempted by knowledge and unknowingness
I'll connect these threads in the middle
and weave us together over boarders
Maybe I'll spin a thread of words
making new my life in countless rebirth
until I'm worthy to pass this lineage onand make the words of use
our tale need not myth to be understood
or threads to bind our sisterhood
私の感じる
糸と切り跡の重み
それは自由を切り抜いた証
上の二人に追いつくために
私の眺める地平
それは既知と未知が誘う暗示
私は両側の糸を繋ぎ
二つの境を織り込むだろう
私の紡ぐ言葉の糸
恐らくそれは幾世に渡り生まれ変わる
故に私は紡ぎ続ける
言葉を価値あるものとするために
この話に神話は要らない
我々姉妹を繋ぐための糸さえも
Liner Notes:
This poem is based off of the Greek myth of the Moirai, or Fates, who are three sisters who control the life of every mortal, from birth to death, through the threads they weave. The Fates represent the relationship and connection between my elder sister, little sister and myself. The music examines how these invisible threads of fate connect people together.
This piece is dedicated to and inspired by my birth sisters, Amy and Diana, my Japanese sisters, Akiko and Mizuho, as well as to my Japanese family within Rotary International in Tokyo, especially to the Tokyo Katsushika Rotary Club.
解説：
この作品の歌詞は、糸で生と死を表現した三人姉妹にまつわるギリシャ神話の「運命の三女神」をベースにしており、姉と妹を持つ作者自身の姉妹にその関係性を重ね合わせた内容となっている。見えない運命の糸がいかに人間を繋ぐかが本作品の音楽的な主題である。
この曲を、私の姉妹のアミーとダイアナ、日本における姉妹の彰子と瑞穂、そして東京国際ロータリー第2750地区及び2580地区、特に東京葛飾ロータリークラブに捧げる。
《Lent Lilly》（2013年）
(12:44)
Koto and Shinobue or Violin／箏と篠笛かバイオリン
Liner Notes:
解説：
「水仙」という花はヨーロッパで「Daffodil」、「Angle’s Tears」、「Jonquil」、「Poet’s Narcissus」や「Lent Lily」などもいろいろ名を用いている花である。なぜなら、水仙の種類や咲いている場所が多い、種類によって異なる点がよくあり、人間の生活の中にはいかに意味があるか多いが、全ての水仙は「百合」のように匂いがとても良い、形が美しく特殊となっている。
「Lent Lily」という水仙はきれいな野原で咲いていなく、早春に山腹や石の回りや森の中などのような咲きにくい場所に存在し、冬の残っている冷風の影響で早く死んでしまう花である。「Lent」という意味はキリスト教のイエスの生命の同じように苦しみがありながら、とても良いことをでき、それは存在のある美しさということである。私にとって子供のころから毎4月、「Lent Lily」を咲きに楽しみながら 、一週間後になくなることについて懐かしい思い出であり、現在にはもしかして「Lent Lily」はヨーロッパの「桜」のではないかと感じた。日本とヨーロッパの「Lent Lily」である存在や見方や文化から影響を受け、その美しさを生かす作品である。
Koto and Shinobue or Violin／箏と篠笛かバイオリン
Liner Notes:
解説：
「水仙」という花はヨーロッパで「Daffodil」、「Angle’s Tears」、「Jonquil」、「Poet’s Narcissus」や「Lent Lily」などもいろいろ名を用いている花である。なぜなら、水仙の種類や咲いている場所が多い、種類によって異なる点がよくあり、人間の生活の中にはいかに意味があるか多いが、全ての水仙は「百合」のように匂いがとても良い、形が美しく特殊となっている。
「Lent Lily」という水仙はきれいな野原で咲いていなく、早春に山腹や石の回りや森の中などのような咲きにくい場所に存在し、冬の残っている冷風の影響で早く死んでしまう花である。「Lent」という意味はキリスト教のイエスの生命の同じように苦しみがありながら、とても良いことをでき、それは存在のある美しさということである。私にとって子供のころから毎4月、「Lent Lily」を咲きに楽しみながら 、一週間後になくなることについて懐かしい思い出であり、現在にはもしかして「Lent Lily」はヨーロッパの「桜」のではないかと感じた。日本とヨーロッパの「Lent Lily」である存在や見方や文化から影響を受け、その美しさを生かす作品である。
《Terra’s Mirror: The Spirituality of Celestial Beings》（2013年)
Shamisen Duet／三味線二重奏
Liner Notes:
In Latin the word “terra” means earth, while terra’s “mirror” is the historical label of the moon: a body that both reflects the sun’s light and parallels our own world. The shamisens embody the scientific and romantic relationship between the earth and moon. They start as a unified body being forcefully separated into two, then gracefully dance and rotate in each other’s arms until their inevitable destruction and reunification within a dying sun.
解説：
「Terra」はラテン語で地球、あるいは大地を意味し、月にその姿を映し出す鏡としての存在を見出したことにこの曲の題名は由来する。地球と月の関係性をメタファーとしたこの作品は、二つの三味線を軸に、月の誕生から現在の公転している状態を経て、やがて地球と月が共に太陽に呑み込まれる終焉を表現している。
In Latin the word “terra” means earth, while terra’s “mirror” is the historical label of the moon: a body that both reflects the sun’s light and parallels our own world. The shamisens embody the scientific and romantic relationship between the earth and moon. They start as a unified body being forcefully separated into two, then gracefully dance and rotate in each other’s arms until their inevitable destruction and reunification within a dying sun.
解説：
「Terra」はラテン語で地球、あるいは大地を意味し、月にその姿を映し出す鏡としての存在を見出したことにこの曲の題名は由来する。地球と月の関係性をメタファーとしたこの作品は、二つの三味線を軸に、月の誕生から現在の公転している状態を経て、やがて地球と月が共に太陽に呑み込まれる終焉を表現している。
《風舞千尋〜The Ethereal Wind Dance》(2012年)
第一楽章： 森閑の奥〜Untouched Forest (3:07)
第二楽章： 天狗のステップ〜Tengu Step (3:23)
第三楽章： 流れる雲に〜Clouds Flow By (2:34)
第四楽章： 嵐の向こう側〜After the Storm (5:08)
Shamisen Solo／三味線独奏
Liner Notes:
The wind is linked to a shape-shifting crow from Japanese folklore, the tengu. The invisible wind takes a form we cannot grasp nor define. At times it murmurs, dances playfully, rages, and curls around warmly. While both violent and calming, the wind’s shape is as unfathomable as a tengu still dwelling somewhere within an untouched forest. No matter how much the world modernizes around us, it’s possible that deep within the forest the tengu is still dancing with the wind.
Winning second in the 6th annual Makino Yutaka Composition Competition, The Ethereal Wind Dance is divided into four movements. “Untouched Forest” opens this composition with the majestic gagaku tuning of choujyou while the “Tengu Step” spotlights shamisen’s traditionally playful techniques. “Clouds Flow By” showcases the erratic rhythmical changes that lead to a dramatic climax and return to the main themes finishing the fourth and final movement, “After the Storm”.
解説：
風は、天狗に似ている。目に見えない風は、想像の産物である天狗と同じように、姿形をとらえることのできない不確かなものである。時として風は呟き、戯れ、 踊り、荒れ狂い、そして包み込む。烈しさと癒しを併せ持った実体のない不可思議な風は、まるで深山に棲む幽玄な天狗のようである。世界がどのように変わろうとも、人知の及ばない不可思議な存在は有り続けるのではなかろうか。あるいは、今も天狗は深い森の奥で風のように舞っているかもしれない。
第6回牧野由多可賞作曲コンクールにて佳作に入選した「風舞千尋」は四楽章構成となっている 。雅楽の双調をベースとした第一楽章「森閑の奥」で曲は厳かな幕開けを迎える。第二楽章「天狗のステップ」では、三味線の遊び心ある伝統技法が多用され、動きの中で諧謔が表現される。リズムに緩急のある第三楽章の「流れる雲に」で曲の緊張感が高まり、烈しさと心地よさの同居するドラマチックな第四楽章、「嵐の向こう側」で曲はクライマックスを迎える。
《Pink Waves of Yokohama Bay》（2012年）
For Koto Trio／箏（2面）と17弦箏（１面）
解説：
2013年3月、ICJC Composers’ Project Concertにて三面の箏による「Pink Waves of Yokohama Bay」で優勝。
解説：
2013年3月、ICJC Composers’ Project Concertにて三面の箏による「Pink Waves of Yokohama Bay」で優勝。
《清姫とPersephone》（2011年）
(17:30)
Koto (x2), 17 stringed Koto, Shakuhachi and Shamisen／箏（２面）と17弦箏（１面）、尺八、三味線
Koto (x2), 17 stringed Koto, Shakuhachi and Shamisen／箏（２面）と17弦箏（１面）、尺八、三味線
《自震〜Trembles》 (2011年)
Shamisen Duet／三味線二重奏
Liner Notes:
This was my response to Japan's 2011 earthquake that shattered everyone's sense of "normality" and "control" within a very modernized city. As I had been in Tokyo at that time, being my transition from research student to full time graduate student, I spent many hours and days hiding in cafes, just watching everyone nervously around me, as the ground continued to rumble weeks after the the initial indecent. And it was there, in a cafe that smelled of old smoke, bad tasting tea, and rotting cakes, I wrote this piece.
Liner Notes:
This was my response to Japan's 2011 earthquake that shattered everyone's sense of "normality" and "control" within a very modernized city. As I had been in Tokyo at that time, being my transition from research student to full time graduate student, I spent many hours and days hiding in cafes, just watching everyone nervously around me, as the ground continued to rumble weeks after the the initial indecent. And it was there, in a cafe that smelled of old smoke, bad tasting tea, and rotting cakes, I wrote this piece.
《光》 (2010年)
(10:14)
Solo Shakuhachi and Electronic Sound Scape／尺八独奏と電気音楽
Solo Shakuhachi and Electronic Sound Scape／尺八独奏と電気音楽
《篠笛の曲〜Shinobue no Kyoku》（ 2008年）
Solo Shinobue and String
Quartet／篠笛独奏とString Quartet
Liner Notes:
Both a composition and research project that culminated as my honors graduation paper for Northern Illinois University. This was my first attempt to write for live Japanese instruments after returning from my first trip to Tokyo in 2007. It was also preformed on Hawaii National Radio in 2009.
Both a composition and research project that culminated as my honors graduation paper for Northern Illinois University. This was my first attempt to write for live Japanese instruments after returning from my first trip to Tokyo in 2007. It was also preformed on Hawaii National Radio in 2009.
《Trio of Trios》 2008年
1st Trio: Kaoru (8:37)2nd Trio: Another Trip (5:40)
3rd Trio: Mystic (6:47)
Clarinet, Oboe and Bassoon
Liner Notes:
“Another Trip” was written in light of those experiences, good and bad, one has while playing in any ensemble of any size. The mixed time signatures and the overlapping of small ostinato like ideas make this a difficult but extremely funny composition to perform. “Mystic”, unlike “Another Trip”, is not trying to be comical in any way. It is the interplay of the high voices on all three instruments and the colors that can be extracted from them. "Kaoru" was the last of these trios to be written, and inspired by the beautiful long fingers and technically flawless piano player I met in Japan, so also later became a long lasting friend. These trios were written because I needed an excuse to play more trios with my two wonderful friends, an oboe and clarinet player.
Liner Notes:
“Another Trip” was written in light of those experiences, good and bad, one has while playing in any ensemble of any size. The mixed time signatures and the overlapping of small ostinato like ideas make this a difficult but extremely funny composition to perform. “Mystic”, unlike “Another Trip”, is not trying to be comical in any way. It is the interplay of the high voices on all three instruments and the colors that can be extracted from them. "Kaoru" was the last of these trios to be written, and inspired by the beautiful long fingers and technically flawless piano player I met in Japan, so also later became a long lasting friend. These trios were written because I needed an excuse to play more trios with my two wonderful friends, an oboe and clarinet player.
(11:00)
For Piano(s) and Tapes Sounds／ピアノと録音
For Piano(s) and Tapes Sounds／ピアノと録音
Liner Notes:
A series of two piano sounds, audible mistakes, inability to comprehend new software, and my own stubbornness that lead me to keep pressing the "process" button over and over again instead of starting over lead to the creation of this taped sound. Only after I figured out how to bounce the sound out of the software before it crashed my computer, for the 10th time, did I decide to add live piano(s) music to the mix, especially when performed live.
This piece has been performed the most out of my compositions, mostly by myself, due to the generally enthusiastic and over the top reaction by the audience.
This piece has been performed the most out of my compositions, mostly by myself, due to the generally enthusiastic and over the top reaction by the audience.
《小田急線(wakkanai)》 (2007年)
（11:00）
Solo Piano and Electronic Soundscape/ ピアノと電気音楽
Liner Notes:
“小田急線 (wakannai)” was written during my six month long study in Japan, during the spring of 2007. To make it to school everyday in the early morning I would take an hour and a half long adventure riding multiple trains found in and outside of Tokyo. Even though I was put in some of the most awkward positions while riding the trains, to the point where one wonders how I survived all six months, of Tokyo and the places they brought me quickly became some of my fondest memories and experiences. The electronic music of this composition are personal recordings of the sounds in Japan that I surrounded myself with everyday. The most prominent of these sounds are of trains and traditional Nagauta music. The two main train lines heard are the Odakyu line (小田急線), which was the private line near my host family’s, shamisen teacher’s, and friend’s homes, and the Chou line (中央線), which is the train that runs down the middle of Tokyo and has a least one person per day jump in front of to commit suicide. Though Naugata musical inspirations can be heard throughout the entire composition, during the climax the famous masterpiece Dojyoji (道成寺) can be heard with a new twist as the shamisens (三味線) and piano (ピアノ) play a duet together. This piece is dedicated to Takuya Mori (森 琢也) whose awe inspiring piano playing was the main driving force for me to want to write and complete this composition before I left Japan.
Solo Piano and Electronic Soundscape/ ピアノと電気音楽
Liner Notes:
“小田急線 (wakannai)” was written during my six month long study in Japan, during the spring of 2007. To make it to school everyday in the early morning I would take an hour and a half long adventure riding multiple trains found in and outside of Tokyo. Even though I was put in some of the most awkward positions while riding the trains, to the point where one wonders how I survived all six months, of Tokyo and the places they brought me quickly became some of my fondest memories and experiences. The electronic music of this composition are personal recordings of the sounds in Japan that I surrounded myself with everyday. The most prominent of these sounds are of trains and traditional Nagauta music. The two main train lines heard are the Odakyu line (小田急線), which was the private line near my host family’s, shamisen teacher’s, and friend’s homes, and the Chou line (中央線), which is the train that runs down the middle of Tokyo and has a least one person per day jump in front of to commit suicide. Though Naugata musical inspirations can be heard throughout the entire composition, during the climax the famous masterpiece Dojyoji (道成寺) can be heard with a new twist as the shamisens (三味線) and piano (ピアノ) play a duet together. This piece is dedicated to Takuya Mori (森 琢也) whose awe inspiring piano playing was the main driving force for me to want to write and complete this composition before I left Japan.
(15:30)
Balanese Gamelan and Two Pianos／バリのガムランと二つのピアノ
Liner Notes:
Semangka Asin translates to salty watermelon in Indonesian. The concept of putting salt on a sweet refreshing watermelon not only seems odd, but is also repulsive for most people. However, when you try this strange combination you will find out it not only works, it also creates a whole new flavor you didn’t know was possible. That was the goal of this piece; pit two very different “flavors” (or timbers in this case) against each other in hopes to create something new and refreshing that isn’t normally heard. Though the concept of using pianos to mimic the gamelan sound was nothing new (as Colin Mcphee has experimented extensively on this idea within his own compositions) I hoped that I could also get the gamelan to begin to mimic the pianos (as well as harmonic motion) as the piece progressed and by the end have something that was neither gamelan nor western.
Semangka Asin was performed in the Boutell Memorial Concert Hall at Northern Illinois University on March 23rd, 2008 as the final composition as my graduation recital. The performers included Linc Smelser and Nancy Staton on piano and members from the NIU percussion ensemble, who gave me a year of their life to learn how to not only play my composition by also train on the basics of Balinese gamelan itself. The group was led by my dear friend Jenn and myself (yes, I preformed).
解説：
「Semangka Asin」はインドネシア語で「しょっぱいスイカ」という意味である。甘くて爽やかなスイカに塩をかけるという考え方は一見奇妙であり、それを知らない人 には魅力的な組み合わせには見えない。しかし、この一風変わったコンビネーションを試してみると、美味しいと感じるだけでなく、それまで知らなかった新た な味覚が開拓される。この作品の目的は、それまで余り聴いたことのないような新たな音楽を作り、二つの異なる「味」（この場合では音色）を比較すること だった。コリン・マクフィーもピアノでガムランの形態や音色を真似する作品を作っていたので、これは新しいアイディアというわけではないが、私の作品では ガムランもピアノの音色や和音を模することを目的としていたため、結果としてガムランでも西洋音楽でもない音楽が出来上がった。
《Semangka Asin》は2008年3月23日、卒業演奏会の開かれた北イリノイ大学のブテル記念コンサートホールにて初演された。ピアノはリンク・スメルサーとナン シー・スタトンが担当し、ガムランはアンサンブルのリーダーを務めた私とジェン、そして１年間でガムランの理論と私の作品を習得してくれた北イリノイ大学 パーカションアンサンブルの選抜メンバーが務めた。
The Jabberwocky (2006年）
(9:30)
Mezzo Soprano and Piano solo (mini opera)/歌とピアノ（小さなオペラ）
Liner Notes:
Words and theme based off Lewis Carroll's Through the Looking Glass, and What Alice Found There (1871)
Javanese Gamelan and Solo Bassoon／
Balanese Gamelan and Two Pianos／バリのガムランと二つのピアノ
Liner Notes:
Semangka Asin translates to salty watermelon in Indonesian. The concept of putting salt on a sweet refreshing watermelon not only seems odd, but is also repulsive for most people. However, when you try this strange combination you will find out it not only works, it also creates a whole new flavor you didn’t know was possible. That was the goal of this piece; pit two very different “flavors” (or timbers in this case) against each other in hopes to create something new and refreshing that isn’t normally heard. Though the concept of using pianos to mimic the gamelan sound was nothing new (as Colin Mcphee has experimented extensively on this idea within his own compositions) I hoped that I could also get the gamelan to begin to mimic the pianos (as well as harmonic motion) as the piece progressed and by the end have something that was neither gamelan nor western.
Semangka Asin was performed in the Boutell Memorial Concert Hall at Northern Illinois University on March 23rd, 2008 as the final composition as my graduation recital. The performers included Linc Smelser and Nancy Staton on piano and members from the NIU percussion ensemble, who gave me a year of their life to learn how to not only play my composition by also train on the basics of Balinese gamelan itself. The group was led by my dear friend Jenn and myself (yes, I preformed).
解説：
「Semangka Asin」はインドネシア語で「しょっぱいスイカ」という意味である。甘くて爽やかなスイカに塩をかけるという考え方は一見奇妙であり、それを知らない人 には魅力的な組み合わせには見えない。しかし、この一風変わったコンビネーションを試してみると、美味しいと感じるだけでなく、それまで知らなかった新た な味覚が開拓される。この作品の目的は、それまで余り聴いたことのないような新たな音楽を作り、二つの異なる「味」（この場合では音色）を比較すること だった。コリン・マクフィーもピアノでガムランの形態や音色を真似する作品を作っていたので、これは新しいアイディアというわけではないが、私の作品では ガムランもピアノの音色や和音を模することを目的としていたため、結果としてガムランでも西洋音楽でもない音楽が出来上がった。
《Semangka Asin》は2008年3月23日、卒業演奏会の開かれた北イリノイ大学のブテル記念コンサートホールにて初演された。ピアノはリンク・スメルサーとナン シー・スタトンが担当し、ガムランはアンサンブルのリーダーを務めた私とジェン、そして１年間でガムランの理論と私の作品を習得してくれた北イリノイ大学 パーカションアンサンブルの選抜メンバーが務めた。
The Jabberwocky (2006年）
(9:30) 
Mezzo Soprano and Piano solo (mini opera)/歌とピアノ（小さなオペラ）
Liner Notes:
Words and theme based off Lewis Carroll's Through the Looking Glass, and What Alice Found There (1871)
Lament's Lullaby (2005年)
(5:30)Javanese Gamelan and Solo Bassoon／
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